СТЕНОграмма Берлинале


В относительно небольшой временной промежуток – с ноября прошлого года по февраль нынешнего – уместились две символические даты. Обе они касаются имевших место в Германии событий, которые стали неотъемлемой частью мировой истории и мирового кино и крепко связаны между собой. Речь, конечно же, о 20-летнем юбилее крушения Берлинской стены и проведении в эти дни 60-го по счету Берлинского международного кинофестиваля. Ноябрьские празднования отличали размах и живость, воскресившие атмосферу тех переломных для Европы и всего глобального мира дней, а один из трио фестивальных грандов взял очередной старт 11 февраля и десять дней спустя окончился победой турецкой картины «Мед». И вот эти вещи, представляющиеся в истоках своих как изначальные детали чего-то одного целого, а ныне уже разведенные порознь (эмоционально, исторически, метафизически и бог знает как еще), в напавшем на меня каком-то эссеистском запале, захотелось еще раз свести воедино

Возведенная 13 августа 1961 года, Стена своим появлением промаркировала совершенно специфический этап немецкой истории, оставившей в ней след не менее странный, причудливый и болезненный, чем приход в власти нацистов или собственно противоестественное разделение страны на две половины вскоре после окончания Второй мировой. Протянувшееся через Берлин на 150 километров строение стало не просто буквалистско-материальным олицетворением границы между враждебными геополитическими блоками и страшной преградой на пути катастрофическими темпами растущего числа граждан, которые добровольно желали бы сменить обитель «реального социализма» на загнивающую по соседству «буржуазную клоаку». В самом своем уродливом проявлении Стена, спроецировавшись на коллективную душу немцев, на матрицы национального характера, засела в головах людей. Да там и осталась. Самый грандиозный архитектурный памятник тоталитаризму был разрушен еще 9 ноября 1989 года, но напряженность в отношениях и взаимное отчуждение восточных и западных немцев остаются до сих пор. И, судя по всему, не скоро еще будут изжиты. 
Когда в 1951-м был запущен Берлинский кинофестиваль, Стены еще не было. Наверное, не существовало пока и той самой невидимой ментальной стены – разделенность едва ли успела прочно впечататься в сознание народа. Но идеологическая машина уже вовсю работала на эту разделенность, ведь Берлинале, задуманный как киносмотр либерального мира, организовали в пику не только и не столько Венеции и Канну, сколько Международному фестивалю молодежи, который проводился в ГДР. Физической точкой нараставшего отчуждения восточной и западной частей страны стала площадь Потсдамерплац – в этом топографическом узле сходились Стена и Берлинале.
Тяжело преодолеваемая недиалогичность с реалиями по ту сторону Стены, в общем-то, не помешали фестивалю пройти славный путь до наших дней. Берлин, занимая свое особое место в мировом конопроцессе и обретая свое самобытное лицо, стремился поощрять творческие поиски и подбирал подходящую оправу для фильмов-жемчужин Бергмана и Антониони, Годара и Полански, Пазолини и Олтмена. Именно Берлин сформировал «демократичный» тип киноселекции, отказался от внешнего глянца, эстетического кокетства и эпатажа как стратегии, а его чуткость к вибрациям с Востока обеспечила один из решающих толчков на глобальный рынок азиатскому кино.
Да, не обходилось без критических моментов, но через все это «Золотой медедь» прошел, постепенно обретая репутацию самого социального и политизированного кинофорума. Собственно, культурное мероприятие, проводимое в городе с особым статусом (Западный Берлин, как известно, не относился к юрисдикции ФРГ, живя собственной жизнью либерального анклава в захваченных коммунистами восточных землях Германии), разделенном Стеной, и с носившимися в воздухе острополитическими флюидами, и не могло обрести какой-то иной славы.
Стена и Берлинале, два символа разного подхода к глобальным вопросам жизнеустройства, словно подпитывали друг друга своей взаимной инаковостью, энергетикой Иного, пафосом обоюдного отторжения. Нельзя сказать, что данная оппозиция из года в год красной нитью проходила через фестиваль – в конце концов, фильмов о Стене по обе ее стороны снималось не то что бы очень много и все они имели большие художественные достоинства, обеспечивающие неминуемое попадание в фестивальную программу. Но виртуальный баланс, некий симбиоз сохранялся, Стена всегда, зримо или незримо, присутствовала в атмосфере и антураже фестиваля.

А потом все это закончилось. Не сразу, разумеется, не в один день. Медленно менялся политический климат, подспудно вызревали общественные изменения, происходили выбросы пассионарных протуберанцев, фестиваль все это фиксировал, отмечал ослабление напряжения, попытки движения режимов навстречу друг другу. А дальше и вовсе Горбачев инициировал революционные процессы, которые привели к стремительной аннигиляции всей коммунистической системы. И если до 1989 года на экране Берлинская стена становилась фоном, местом действия и даже персонажем разных драматических и остросюжетных историй, а в жизни – прямым объектом художественных практик (взять хотя бы знаменитые берлинские граффити), то в кульминационый момент объединения двух Германий она вышла на первый план в ипостаси предмета арт-инсталляции, сценой перформанса, декорации многозначительных экспериментов документалистов вроде показа Юргеном Бёттхером кинохроники (от кайзеровских парадов до выступлений Хонеккера), спроецированной прямо на поверхность стены.
Наверное, лучший разбор этого периода сделал бы Зигфрид Кракауэр, автор блестящего исследования довоенного немецкого кинематографа «От Калигари до Гитлера: психологическая история немецкого кино». Его анализ, без сомнения, обогатил бы наши представления, но Кракаэура не стало еще в 1966 году. Пережить Стену было суждено не всем; жизнь так коротка, особенно когда ты, как герои многих «пристенных» фильмов, стремишься прорваться на ту сторону, а пограничники имеют приказ открывать огонь на поражение.
...Два десятилетия как отменена и разбита на музеифицированные куски Стена, шесть – как привозят, показывают и награждают кино на Берлинале. Очередная ежегодная фестивальная декада в столице Германии, как всегда, стала крупнейшим событием. Своей программой, сочетанием отобранных фильмов, их встраиванием в контекст и репрезентацией картин мира Берлин снова рассказал нам свою версию того, что сегодня актуально, куда устремлены социомедийные магистрали, как политика просачивается сквозь поры культуры, что было вчера и чего стоит ждать завтра. Но это уже совсем другая история, «стенографическими» параллелями не отмеченная.
Фото: 1) логотип Берлинского МКФ; 2) Берлинская стена
Блогпост №7 - 22/02/10

Фильм месяца: январь

Одним из задуманных компонентов «Кино-в-себе» являются переводы (только, к сожалению, с английского языка), самый первый из которых был представлен предыдущей записью. Сегодня – продолжение в виде компактной адаптации (набор выдержек, с обойденными, по возможности, спойлерами) материала известного британского киноиздания Sight & Sound. Это январская рецензия из их традиционной рубрики «Фильм месяца», в которой критик Тревор Джонстон разбирает биографическую ленту  Сэм Тейлор-Вудс «Мальчик из ниоткуда» (Nowhere Boy). Выбор именно данного текста не случаен и не есть некая разовая акция: «Кино-в-себе» нацелено следить за циклом «Фильм месяца». В одном из ближайших блогпостов попытаюсь представить фильм февраля, который издание уже назвало (это кино японского режиссера Хирокадзу Корэ-Эды Aruitemo aruitemo). Стоит добавить, что, не считая себя специалистом в области английского и ни на секунду не допуская мысли о безупречности своего перевода, автор блога, тем не менее, полагает, что к адекватной передаче смысла статьи его вариант гораздо ближе, нежели к обыденной переводческой халтуре

Дебют Сэм Тейлор-Вуд «Мальчик из ниоткуда» куда меньше рассказывает о становлении молодого Джона Леннона как музыканта, чем о двух женщинах, оказавших большое влияние на его жизнь в юности.
Байопикам о ранних годах жизни знаменитых музыкантов всегда присуща некая ущербность. Как бы их герои-артисты не боролись за право быть услышанными – мы заранее знаем, что они своего добьются, и знаем, как зазвучат их голоса, когда к ним придет слава. Как достичь драматического эффекта, когда сюжетная предсказуемость неизбежна? Излюбленным приемом тут становится обращение к личной жизни героя, при котором его музыкальная одиссея закономерно отодвигается на второй план. Так, «Рэй» изображает Рэя Чарлза до того, как его поразила слепота, преследуемым детским видением смерти своего брата, а «Переступить черту» исследует колючие взаимоотношения Джонни Кэша с отцом, ожесточенным трагической гибелью своего сына от несчастного случая.
По аналогичной формуле и «Мальчик из ниоткуда» построен главным образом на семейной коллизии юного Джона Леннона. Он был воспитан своей тетей Мими и лишь подростком узнал, что его настоящая мать Джулия живет неподалеку с другими своими детьми и гражданским супругом. Подобные вещи, разумеется, необязательно пробуждают к жизни музыкальный гений, но очевидно оказывают сильное влияние на формирование личности. А оценивая степень этого влияния в случае с будущим рок-идолом, трудно выйти за рамки чистых эмоций, выраженных такими песнями, как Mother, эффектно венчающей фильм, или My Mummy’s Dead из репертуара постбитловского проекта Леннона Plastic Ono Band.
Являет ли дебютная работа Сэм Тейлор-Вудс новый взгляд на специфику связи между подобного рода потрясениями и восхождением на музыкальный Олимп – вопрос спорный. Мы ожидаем рассказ про подростка-битла, но вместо этого наблюдаем за причудливой «шведской» семьей.
Неожиданно видеть Кристин Скотт-Томас в испостаси ливерпульской домохозяйки, избыточно аристократичной даже для манерно-изысканной тети Мими. Именно она, со своим невероятным умением изображать бурление чувств за непроницаемым фасадом сдержанности, в значительной мере задает настроение фильма, несмотря на усилия Анн-Мари Дафф в роли импульсивной Джулии и Аарона Джонсона в роли неискушенного, но дерзкого Джона, который стремится быть с обеими.
Пока щекотливые, даже взрывные отношения Леннона с его настоящей матерью катализируют драматизм повествования, оно движется к сближению героя с его двумя сестрами и осознанию неявного, но глубокого влияния на него тети Мими. В сущности, эти сюжетные элементы и затмевают линию совместных экспериментов Леннона и Маккартни в их первой группе Quarrymen. В Ленноне в исполнении Джонсона угадываются зарождающееся самодовольство, уязвленная чувственность и растущий гнев на родительскую жестокость. При этом время от времени он в системе фильма превращается во второстепенного героя своей собственной истории.
Фильм посвящен покойному Энтони Мингелле, в течение долгого времени оказывавшего поддержку Тейлор-Вуд. Мингелла был ее наставником, когда она снимала свой короткометражный фильм Love You More, и его влияние ощущается.
«Мальчик из ниоткуда» – элегантное кино, но ему не достает атмосферы ранних рок-н-ролльных лет, которая была, скажем, в фильме 1973 года That’ll Be the Day Клода Уотхэма. Это весьма достойная работа для кинорежиссера-дебютанта, пусть и с налетом дилетантизма, обусловленного арт-прошлым Тейлор-Вудс.
Тревор Джонстон, Sight & Sound

МАЛЬЧИК ИЗ НИОТКУДА (Nowhere Boy)
Режиссер Сэм Тейлор-Вуд
Автор сценария Мэтт Гринхолг (по мемуарам Джулии Бэрд)
Оператор Шеймус Макгарви
Композиторы Элисон Голдфрапп, Уилл Грегори
Художник Элис Нормингтон
В ролях: Аарон Джонсон, Кристин Скотт-Томас, Томас Сэнгстер, Анн-Мари Дафф, Дэвид Морисси, Сэм  Белл
Ecosse Films, Film4, UK Film Council, Aver Media, North West Vision
Великобритания/Канада, 2009

P.S. Премьера «Мальчика из ниоткуда», представленного в Британии на Рождество, в русскоязычном прокате запланирована на апрель, и хочется думать, что и до казахстанского зрителя фильм тоже дойдет (в крайнем случае будем надеяться на Олега Михайловича). Ведь и у нас фильм имеет неплохой зрительский потенциал, хотя ядро его целевой аудитории не подростки, а публика постарше – битломаны и ценители рок-культуры. Кстати, остается, наверное, вероятность того, что прокатчики как-нибудь переиграют название (отсылающее к знаменитой битловской вещи Nowhere Man, но вряд ли вызывающее устойчивые ассоциации у среднестатистического жителя СНГ) и заменят, как уже не раз бывало, на что-нибудь несуразное. Пока же остается смотреть трейлеры, которые, стоит признать, выглядят многообещающе. 
Фото: «Мальчик из ниоткуда», кадр
Блогпост №6 - 12/02/10

Памяти Эрика Ромера

Как-то само собой вышло, что последние полмесяца автора блога неотступно сопровождал легкий и тонкий, как изящный французский парфюм, аромат Новой волны 60-х. То тут, то там всплывали опознавательные метки – премьера по телевидению документальных фильмов о Франсуа Трюффо и Жан-Люке Годаре, непроизвольно попавшаяся в руки и перечитанная дискуссия мэтров «Кайе дю синема» о тенденциях в кино конца прошлого века, после чего рука сама потянулась к непозволительно долго залежавшимся в домашней видеотеке «400 ударам». Был и печальный аспект – известие о кончине кинопатриарха Эрика Ромера. Теоретик и практик кинематографа, несколько теневой, но в любом случае безусловный его классик, Ромер (псевдоним, который уроженец Ниццы Жан-Мари Шерер собрал, словно пазл, из имен режиссера Эрика фон Штрогейма и писателя Сакса Ромера) ушел, совсем немного не дожив до 90 лет. Вокруг фигуры самого, вероятно, необычного представителя Новой волны, и выстроен настоящий пост. Ниже – мой перевод небольшого посвящения Ромеру, появившегося на ресурсе All Movie

Никогда не знал, чего ждать от Эрика Ромера – только то, что он на протяжении многих лет будет снимать и снимать фильмы, и что его творчеству присущи противоречия. Писатель и академик, в кино он создавал работы, страдавшие от чрезмерной литературности и логоцентризма, в то время как его молодые современники вроде Годара и Трюффо пришли в своих режиссерских поисках к чистоте визуального повествования. В отличие от манеры Трюффо, Годара, Аньес Варда, Жака Деми и других, стиль Ромера не был отмечен главным, чем определялось творчество мастеров Новой волны – довлением личного, авторского начала. Как зритель я осознанно не связывал его фильмы с Новой волной, поскольку они казались чем-то совершенно обособленным от нее. И разделение было даже глубже, ведь само имя Эрика Ромера было маской, за которой находился другой человек, Жан-Мари Морис Шерер. Личность автора казалась гораздо менее важной, чем идеи, которые он выражал, и требовалось немало времени – порой больше, чем хронометраж шести картин – чтобы проникнуться пониманием этого.
Мало кто в Америке был знаком с Ромером до выхода на экраны фильма «Моя ночь у Мод» в 1969 году. Затем последовали «Колено Клер» (1970) и «Хлоя в полдень» (1972), которые мы смотрели в киношколе. Это были картины на современную тематику с прихотливыми поворотами, которые превращали их в источники экстраординарного зрительского опыта. Ромер терпеливо шел избранным им особым путем, никогда с него не сворачивая, связывая свои фильмы в многозначительные циклы – такие, как «Моралистские рассказы» в 60-х или более поздние «Времена года». От современного материала «Моральных рассказов» он мог перейти к средневековому сюжету «Персеваля Гальского» (1979), и американскому зрителю было трудно сопоставить разные части произведений Ромера. После «Персеваля» его следующим хитом (имевшим наибольший успех в США) была «Полин на пляже» (1983), история двух двоюродных сестер, ведущих любовные игры во время отпуска. Десятки тысяч американцев – прекрасный показатель для французского фильма с субтитрами – привлек плакат с Ариэль Домбаль в купальнике, и фильм оказался настолько же серьезным и эмоционально сложным, насколько и изобразительно привлекательным.
В последние десятилетия, когда Ромер обратился к камерным телевизионным форматам, его кино выпало из моего поля зрения. Но он продолжал рабоотать и экспериментировать. Его последняя картина, «Любовные приключения Астреи и Селадона» (2007), которую он выпустил в 87-летнем возрасте, явила визуальный стиль, вдохновленный творчеством французских живописцев – классициста Николя Пуссена и представителя рококо Жан-Оноре Фрагонара.
Брюс Эдер, All Movie 
Фото: 1) Эрик Ромер; 2) «Полин на пляже», постер
Блогпост №5 - 07/02/10